MELANCOLIA (2011, LARS VON TRIER) DINAMARCA – ALEMANIA – SUECIA

Acompanyades encertadament per l’inquietant i absorbent preludi de Wagner en l’òpera de Tristán i Isolda, les primeres imatges d’aquest film no ens deixen dubte del que estem a punt de veure: una obra un punt pretensiosa d’un cineasta que s’atreveix amb tot. Aquestes imatges ens plantegen un enigma hipnòtic que es tancarà al final del film.

Descrita pel mateix Lars von Trier com “una bella obra sobre la fi del món”, Melancolia reflecteix  molt acertadament aquest sentiment contradictori que consisteix en mostrar la preciositat d’un esdeveniment catastròfic. Amb aquest objectiu, el cineasta construeix una obra visualment de factura perfecte, d’imatges d’un món de fantasia, de ciència-ficció en el seu estat més pur i que, fins i tot, freguen la superficialitat; imatges que ens recorden les inquietants fotografies surrealistes de Gregory Crewdson o, en cinema, ens remunten a l’exercici artístic i filosòfic que constituïa The Tree of Life (2001) de Terrence Malick.

L’estructura de l’obra és senzilla però rodona: dividida en dues parts, “Justine” i “Claire”, els noms de les dues germanes representades per les magnífiques Kirsten Dunst i Charlotte Gainsbourg respectivament, Lars Von Trier ens introdueix en el context d’uns personatges i aconsegueix fer-ne un anàlisis intern prou definit en el marc de la boda de Justine, celebrada a casa de la seva germana. A la segona part, amb molta més força, es resol el misteri del desconegut planeta Melancolia que s’acosta a la terra a gran velocitat.

Les dues germanes són les peces clau de la historia, dues personalitats complexament construïdes situades en dues esferes de la realitat totalment distants. Tot i així, el lligam familiar preval per sobre aquesta distancia i la depressió de Justine que constitueix en un principi la peça desestabilitzant de la realitat familiar s’acaba convertint en tot el contrari, el suport racional; dues maneres d’enfrontar-se a la mort que conformen una dualitat clau en la pel·lícula: Kirsten Dunst ens transmet amb la seva mirada perduda la buidor i el nihilisme de l’espècie humana; Charlotte Gainsbourg borda en el seu paper el sentiment d’impotència i angoixa inherent a la debilitat humana, provocada per la por a perdre allò que posseïm.

Lars von Trier explora, una vegada més en la seva filmografia, la depressió a través dels seus personatges. Justine se sent incapaç de portar la vida com els altres s’empenyen en construir-li; infeliç amb ella mateixa és incapaç de fer feliços als que l’envolten. La melancolia és el sentiment en el qual es tradueix la depressió, provocant en Justine una incertesa respecte el camí a prendre, situant-la en un espai de transició constant. Tal i com afirma el seu director “la melancolia pot ser molt temptadora, perquè ens ofereix una forma dolça de dolor i turment”; és d’aquesta manera com Justine experimenta la fi del món, com un fenomen natural que li retorna la pau interior, un final a la seva insuportable existència.

Transgressor, anàrquic i antidogmàtic, el director danès, fidel al seu estil però lliure i innovador en la seva confecció, aconsegueix de nou l’objectiu que prima en totes les seves pel·lícules: no deixar a l’espectador indiferent. En aquest cas ho aconsegueix fent-nos partícips del món interior dels personatges amb els quals compartim cada una de les sensacions (angoixa, tensió, melancolia) causant-nos una reacció expectant i tensa, de les primeres imatges fins al final del film. Una peça agredolça però molt recomanable.

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Apollonide. Bertrand Bonello (2011) Francia

Exuberante sensualidad y decadencia en el retrato coral de un grupo de prostitutas que habitan un burdel parisino ambientado en el tránsito del siglo XIX al XX define la reciente propuesta del cineasta Bertrand Bonello; una película amarga y bella al tiempo, como lo es la misma casa cuyo nombre adopta el título: vestidos y perfumes caros, mujeres deslumbrantes y una decoración exquisita… todo desprende elegancia y belleza en esta casa, excepto el propio negocio que la sustenta. Como este, la película está llena de contrastes, más o menos explícitos, como lo son las condiciones en las que viven aparentemente las chicas cuando están trabajando de cara a sus clientes y las condiciones reales que descubrimos cuando termina su jornada aún tratándose de la misma casa.

Los espacios son un punto clave en la película y enfatizan los contrastes mencionados. La casa es el escenario por excelencia, hasta el punto en que tan solo dos escenas nos permiten asomarnos al exterior, tomando gran relevancia en el conjunto del film: en la primera, las chicas salen de excursión; como una liberación de su rutina, un soplo de aire fresco, recuperan por un instante su inocencia, su libertad y por un día sus cuerpos desnudos y jóvenes no pertenecen a nadie más que a ellas mismas. El hecho de que sea la única visita al exterior refuerza la condición de prisión de la casa al volver a ella. La segunda es al final de la película donde por primera vez se ve la calle, pero no en la misma época donde se sitúa el resto de la acción sino en la contemporaneidad, hecho reforzado por el soporte digital en que es grabado este final, con un claro paralelismo con las condiciones actuales de la prostitución.

Bertrand Bonello trata con especial atención la relación entre el grupo de chicas que, más allá del compañerismo, alcanza la condición de amistad, incluso de familia. Su medio de vida les impide relacionarse con más gente y acaban entrando en una espiral de aislamiento que incrementa el vértigo a escapar de este mundo movido por una especie de sentimiento contradictorio entre rechazo y sensación de amparo. De esta forma, entre ellas suplen sus carencias afectivas creando una fuerte complicidad que les permite hacer ironía de temas que solo la confianza de quienes se entienden a la perfección por encontrarse en la misma situación permite. Son compañeras de celda y a la vez de sueños que nunca llegarán a cumplirse, con lo que las alegrías y desgracias de cualquiera de ellas se trasladan al resto del grupo.

Cabe destacar la estremecedora escena en la que, al son de la emotiva pieza Nights in White Satin de Moody Blues, las chicas bailan abrazadas en parejas mientras se van contagiando las lágrimas por las que se desprende toda la rabia, la tristeza y la impotencia contenida.

La libertad de la cámara ofrece unos resultados excelentes, como los travellings tan bien empleados en los que esta fluye por las imágenes con absoluta sutileza y exquisitez. Igual de acertados son algunos de los recursos empleados como la pantalla partida. La escenografía y la iluminación recrean con cuidado absoluto toda la atmósfera y decoración de los burdeles de la época y no dejan de trasladarnos a la sensación de estar presenciando en movimiento obras de Toulouse-Lautrec o de Manet. De este último, a parte de las escenas de interior, también la salida al campo de las chicas nos remite a su conocida pintura Le Déjeuner sur l’Herbe. Merece igual mención la fotografía que aprovecha todo tipo de detalles de la escenografía y el atrezzo como el reflejo de los espejos, puntos de vista muy arriesgados y una continua voluntad de captar los pequeños detalles.